北京当代艺博会2026现场图（下同）
22个国家，49个城市，144家参展机构，作为今年北京规模最大的大型艺术博览会，北京当代艺博会2026倾力打造精彩纷呈的“北京108小时”艺术狂欢。本届艺博会继续联动北京国际设计周、画廊周北京等同期重磅艺术IP，合力构筑五月专属的“北京艺术季”，在同一时空交织呈现全球艺术的多元图景，带来极具沉浸感的“北京时间”深度美学体验。《北京青年》周刊与《茜茜姐妹》作为艺博会长期深度合作媒体，再度全程参与、持续聚焦报道。
北京当代艺博会2026开幕仪式嘉宾合影
从左至右依次为三亚中央商务区管理局党委委员、副局长钱晓明先生；北京七九八文化科技有限公司党委书记、董事长郭华平先生；演员、艺术家谭卓女士；北京国际设计周有限公司董事长王昱东先生；北京当代艺博会运营总监熊蕾；北京当代艺博会艺术总监鲍栋；麦卡伦品牌市场负责人陈晔先生
今年艺博会以“陆迹”（LAND TRACE）为主题，分为8个单元——价值、未来、众望、数置、活力、会面、集时、特别艺术项目——从不同维度对应艺术生态的多元结构与现实路径，使“陆迹”所指向的流动与关系在展览现场中得以具体展现。
北京当代艺博会2026「众望」单元作品现场
值得一提的是，为持续鼓励参展机构学术性与实验性的实践，北京当代艺博会自创立之初便设立“最佳展位奖”，以表彰在展览策划与呈现方式上具有突出探索与创新的参展机构。今年的最佳展位由户尔空间获得。
北京当代艺博会2026最佳展位户尔空间 图片由艺术家及户尔空间惠允
摄影：潇剑
在本届艺博会特别艺术项目中，著名演员谭卓，以“未来的过去时”与“数字人”为意念线索，在当代艺术场域中，呈现了她的深度思考与艺术实践。而《北京青年》周刊和《茜茜姐妹》作为艺博会合作多年的媒体伙伴，已是第五年参展，并先后在“特别艺术项目”中策展了《一个属于自己的房间》《花房》《非遗在当代》《新质女性画像》策展项目，今年继续推出艺术家兰公《奥德达的孤独》和刘嘉颖“未来人”系列作品，延续对当代艺术的观察与探讨。
北京当代艺博会2026谭卓作品展现场
奥德达的孤独
It'sMe时期
绝对蓝三角系列
c.2021
布面油画丙烯综合
80 × 80 cm
莎布·尼古拉斯-7199
2022
布面油画
91x91cm（左）
莎布·尼古拉斯-7198
2022
布面油画（右）
谭卓：
银幕之外 艺途之上
谭卓，更为人熟知的身份是演员，她成功塑造过一系列令观众难忘的银幕形象。而在艺术方面，她将个人生命经验与艺术实践有力地融合，创作出风格独特、材质多元、极具想象张力的艺术作品。她此次她参与到本届艺博会的特别艺术项目单元，以“未来的过去时”与“数字人”为意念线索，依托多媒介创作形式，完整呈现她对主体身份、技术生命与时间性的深度思考，以及多年艺术实践的沉淀成果。
谭卓第一件公开展示的作品源于2020年与品牌合作的装置作品《无限可能的Baguette》。此后，2021 年，谭卓携空间装置作品《下午茶》亮相上海油罐艺术中心。作品以近三米高的玻璃盒子为载体，十余台老式电视机分两排陈列，屏幕中流转着她多重神态的影像；环绕式立体音响循环播放着政治、经济、文化等领域的资讯声息，以模拟化的公共场域氛围，构建起作品与观众之间沉浸式的互动联结。
谭卓作品《下午茶》
实际上，谭卓对艺术的激情及创作欲在童年就已经萌发。她时常观看展览并且收藏作品，同时自主尝试影像创作。她曾在杨福东最大规模机构个展“香河”（UCCA尤伦斯当代艺术中心，2026年）和《明日早朝》（“美术馆新电影计划”，上海龙美术馆，2018年，）中担任主演。丰富的艺术浸润与实践经历，让她在创作理念、作品表达形式上拥有着成熟的思考。
杨福东《香河》剧照 图片来源于杨福东及香格纳画廊
对于拥有演员与艺术家双重身份的谭卓而言，“凡事都是相通的……不仅仅是艺术，万事万物之间应该是流淌的状态。”不同领域的创作内核本就逻辑共通、彼此浸润，始终保持着对话与相互滋养。谈及艺术创作与影视表演的差异，她曾坦言：“我喜欢一些奇怪的、充满幻想的东西，但我的影视作品又都是现实主义的。”一虚一实，一幻一真，双重身份彼此映照，也让谭卓在表演与当代艺术的跨界场域中，走出了独属于自己的创作之路。
兰公：
蓝三角的远征
艺术家兰公带来作品《奥德达的孤独》，来自他“It’s Me”时期的绝对蓝三角系列。出生在辽阔草原的他，血液里流淌着野性与探索的基因，作为“三角先生”，他用一枚蓝色的三角形走过三十多个国家，最终回归自己的精神寄托——家。兰公说，艺术分三种：记录时代、批判时代，而他认为最好的那一种，是疗愈时代。从7岁握笔至今，他始终相信艺术不是功名的战场，而是人类最后的尊严，是让每一个迷惘的人找到光的方式。
兰公：
艺术家、美学家、探险家。“兰公·蓝”发明者，“Triblu”蓝三角视觉本体创立者。
站在艺术家兰公的作品前，观众会发现每一幅画作的右上角都有着同一个“记号”：一枚小小的、纯蓝色的等腰直角三角形，它严丝合缝地嵌在画布的边缘。这枚三角形的诞生，源于兰公对中国传统印章美学的痴迷。他认为印章里藏着独有的顾盼虚实、稳锐有度的高级美感，“一方好印，哪怕只有一厘米见方，里面也有整个宇宙。”可篆文晦涩，兰公便做了一个大胆的决定：剥离文字，只留形制。他把正方形的印章沿对角线对折，提炼出等腰直角三角形，再用自己调和命名的、介于克莱因蓝与古罗马紫之间的“兰公蓝”颜色填满。至此，“蓝三角”诞生。
克鲁伦的温柔
Shy 时期
远征系列
c.2016
布面油画丙烯综合
120× 120cm
在艺术创作初期，兰公称之为个人的“Shy”时期，他自言很害羞，不敢把三角放得太大，只让它们小小地躲在画布右上角。这一时期持续了七年，“蓝三角”也像一个内向的旁观者，陪着他在画布上走过了和平系列、远行系列两大核心创作。但画着画着，兰公发现自己已经离不开它了，“它就像我的一个老朋友，安安静静地待在那个角落，陪着我画完一张又一张作品。有时候我看着它，会恍惚觉得，我自己就是那个三角，站在画布的边缘，望着整个世界。”
鸢尾花之恕
Shy 时期
远征系列
c.2016
布面油画丙烯综合
80× 80cm
2018年起，兰公带着“兰公蓝”踏上了更广阔的旅程。威尼斯双年展、各国艺术交流……有人记住他是“画蓝三角的中国艺术家”，也有人戏谑地叫他“画三角的怪人”，而他不为外界干扰，专注自我，也由此进入到自己的“I See”时期。他在与东西方艺术史的大师们平等对话中慢慢读懂了艺术的真谛。“我形成了一生的信仰，做自由的自己，做不被规训的自己。”然而在40岁之后，兰公经历了一场深刻的向内求索。一场意外的身体变化让他的世界一度褪去了所有斑斓，仅余黑白灰与蓝色。他停笔一年半，安静读书、思考，在某一天悟出一句话：“过去我选蓝，如今蓝选我。”这份豁然开朗让他回望所有远行的痕迹，坚定了心中永不熄灭的光，这束光带领他的艺术进入到“It’s Me”时期——蓝三角从角落推向了画面的核心。“我走遍了全世界，其实都是在寻找我自己。我画了十多年的三角，其实都是在画我自己的精神中心。”如今，兰公已步入“Libre”时期，三角与万物相融，自由无界。他依然每天创作，依然在每一幅画的右上角留下那枚蓝色的记号，只是现在的三角不再躲闪，它明亮、笃定，像一个远征归来的行者，把全世界的风霜都化成了那一抹平静的蓝。
Q-北京青年周刊
A-兰公
Q 如何看待2026北京当代艺博会的主题“陆迹”？
A 艺术家更多的是在各种文明文化之间做一座衔接的桥梁。在这个世界上，商业强、军事强，自然会成为中心，我们无法回避现实。但我们依旧要在艺术的范畴里，突破这种中心叙事，去聊平行叙事，因为如果我们继续只聊中心，这个世界只有最强的光才会被我们看到，而大部分文明、大部分人群是那剩下的99%，是弱势的。作为艺术家，我们需要去衔接弱势和强势之间的关系。我希望世界能看到西方，也能看到东方，能看到强者，也能看到弱者，能看到男人的呼声，也能看到女孩的心声。这就是为什么我们要用平行叙事，大家都是平等的，这是我对这次主题的理解，也是我认为的艺术家的核心。
Q 本次艺博会参展作品《奥德达的孤独》的创作灵感和背景是什么？
A 这是我从冰岛奥德达回来后所创作的，奥德达是一片极致荒芜的火山熔岩，这里常年气温-1℃，全域被黑沙、礁石与焦土覆盖。画作的下半部分，复刻了奥德达沉寂荒芜的熔岩与焦土，这也隐喻着我40岁那年的人生际遇。我患上获得性色盲，世间万千色彩尽数消失，整个人被黑白灰彻底吞噬，如同这片孤寂冰冷的荒原。在只剩黑白灰的世界里，眼前的这片蓝色，是我与这个世界最后的色彩记忆，亦是我与这片世界最后的希望连接。从此，我不再向外求索，进而转向向内回归，接纳不完整的自己，也步入了我的“It’s Me”时期。所以画面上方这枚醒目的巨型蓝三角，是我精神的指引与内核，承载着精神与肉体双重自由的渴望。
Q 为何选择三角这个形状作为自己的“代号”？
A 三角是传统印学的当代转译，本意是想和更多朋友分享印学的美，结果一画就是十多年，成了朋友，也成了我自己。它见证了我的孤独，也见证了我的倔强，见证了我的快乐，也见证了我的自豪。这个形状很特别，它柔和而坚定，也就是我常说的：follow your Triblu Heart，做不被规训的自己。三角之外是我未知的世界，三角之内是我的精神家园。这个形状其实是一种安全感，也是一种探索的勇气。当我把左手比一个“一”放在心脏的位置，右手比一个“L”，你就看到了我，一个三角的心。我是来自草原的孩子，我的一生也在践行着自由、无界和探索的精神。
Q 作为出生在辽阔草原的人，你认为自己的基因里是否带着开拓的精神，对你产生过哪些影响？
A 基因有关系，但只有一半，后天占另一半。如果有开疆拓土的欲望，却被锁在一亩三分地上，也走不出去。人一定是两者的结合。我小时候家里贴过一幅字：“为学贵知疑，知疑贵问师。问师可释疑，释疑则有知。小疑获小进，大疑得大知，知疑且善问，学成必无疑”，不懂就问，这是学习的态度。但随着年龄增长，我们开始对世界、对权威产生怀疑和质疑，会用自己的生命感受去理解世界。这也是后来为什么会有智者和创造者，他们不只是传统的继承者，更是开创者，站在前人没有去过的地方，带着使命继续探索。我也有这种使命感。
阿尔勒的相逢
Shy 时期
远征系列
c.2016
布面油画丙烯综合
80× 80 cm
Q 你如何看待艺术和生活的关系？
A 我一直认为艺术分三种类型：记录时代的艺术、批判时代的艺术，以及我认为最好的疗愈时代的艺术。我做艺术更多的时候是疗愈自己，让自己从负能量的精神状态里走出来。我也希望通过作品带给更多朋友正能量，让他们从阴霾中走出来。艺术是人类的最后一道尊严，生命的意义在于艺术感受。我对艺术的功利心和目的性没那么强。赚钱固然重要，我需要照顾家庭。但除了生活，艺术就是我的生活本身。我更多的是在追求艺术带给我的滋养，艺术让我更快乐。
Q 在人工智能日渐发达的时代，你如何理解人工智能与艺术的关系？会对未来的艺术氛围感到焦虑吗？
A 我觉得在人工智能时代，机器人可以做几乎所有人类能做的事情，甚至做得更好。很多人会焦虑，但我有不一样的看法。你会发现人类的历史其实是构建在工具属性上的，当人工智能把这些工具属性替代掉之后，我们反而可以真正地去感受风、感受雨、感受爱、感受自由、感受生命的本身。作为碳基生命，我们是艺术的感受主体，是人类文明的承载者，这才是我们真正的价值。如果未来我思维枯竭或者迷茫，我可能会问AI。AI学习的是全人类的经验和集合，它一定会比我们更高级、更科学，但这不意味着人类艺术就没有价值了，恰恰相反，当我们不再被工具属性所奴役，我们才真正成为体验生命的人。
刘嘉颖：
五千年之后
艺术家刘嘉颖携“未来人”系列作品参展，她结合自身创作实践，阐述了自己对这一主题的理解：在自己的技术语境中，促使不同媒介、材料与语言之间产生碰撞。在她看来，艺术和技术之间没有墙，技术是土壤，艺术是开在土壤上的花。刘嘉颖以数学算法和代码为画布，望向五千年后的人类的眼睛。她说，那不是科幻，那是正在发生的宿命。
刘嘉颖：
拥有加密艺术家与创业者的双重身份，国内最早将Crypto Art 翻译为“ 加密艺术”的人。
2026年北京当代艺博会的展墙上，刘嘉颖的《莎布·尼古拉斯》和《私人通证》系列安静地悬挂着。那些由芯片、电线和光晕编织而成的“未来人”凝视着观众，目光冷静，不悲不喜。
从2017年第一次创作数字艺术开始，刘嘉颖就走上了一条少有人走的路。她曾是互联网公司的产品设计师，在快节奏的职场中如鱼得水，直到她考入中央美术学院实验艺术学院，看见一个女孩蹲在路边看花看了一个小时，看见版画系的学生雕刻一块木头雕刻一半年，她第一次意识到，世界上还有人这样对待时间。“快与慢”的分裂感曾让她无所适从，但最终，她学会了在两种状态之间切换。那段经历也塑造了她日后的创作逻辑，在技术层面追求极致的严谨与高效，在艺术层面保持漫长的酝酿与生长。
莎布·尼古拉斯-7198
2022
布面油画
101×101cm
刘嘉颖的作品讨论未来五千年后的人类，却也关乎着此刻的生活。她用代码和色彩搭建了一个属于“未来人”的世界：碳基生命与硅基材料已经全面融合，人机共存不再是想象，而是一种生理层面的现实。她笔下的“未来人”没有机械感的银色金属外表，取而代之的是橘色、红色、蓝色、紫色的抽象光晕。这些艺术形式源于刘嘉颖汹涌且不分昼夜的灵感。从高中起，她就会在睡前被各种想法击中，常常翻来覆去到凌晨两三点，摸黑爬起来把灵感记在小本子上才能入睡。直到现在，她的床头依然放着本子，因为那些关于“未来人”的芯片、光晕、眼神，总是在夜深人静时自己跑出来。央美的老师曾对她说：“艺术就是你自己特别过瘾，再拿出来让别人跟你一起过瘾。”刘嘉颖的世界充满着崭新的想象力，从素材到表达观念，新技术带领她走入全新的话题，那些关于碳基与硅基、消逝与永恒，以及由此诞生的艺术作品，都是科技培育出的文明的花朵。
Q-北京青年周刊
A-刘嘉颖
Q 《莎布·尼古拉斯》系列的创作灵感来源是什么？
A 莎布·尼古拉斯是克苏鲁神话里的一个外神，被叫作“孕育千万子孙的森之黑山羊”。她的形象在很多作品里都不一样，有时候是一团巨大的云雾，有时候会聚合出骇人的身体器官、黏滑的黑色触手。但她的核心特征始终和黑暗、繁殖、神秘力量联系在一起。
我把她跟“未来人”的概念融合在了一起。你看画面里那些像芯片、电线一样的东西，其实都是我把它们视觉化处理之后的结果。我想表达的是在五千年以后，碳基生命和硅基生命可能已经全面融合了。硅基材料把整个人包裹住，芯片、电线这些东西就变成了一种人机共存的状态，人的肉身性和机械的冰冷性融在了一起。但我不想做成典型的赛博朋克审美，我用了很多橘色、红色、蓝色、紫色，把那些芯片电线变成了更抽象、更色彩化的东西。
Q 为什么会对“五千年以后的人类”这个概念感兴趣？
A 这个想法其实是从我的研究生论文开始的，我当时写的是关于克苏鲁神话的，里面有一种人不需要赚钱，他们每天起来，言谈举止决定了他今天头上的钱是多少，他只需要对这个世界做贡献，就会有钱。我当时认为这是一种完全不同的存在方式。克苏鲁神话里还有一种外星人，在三维世界里看上去只是一道镭射的光。我想如果把这个光拟人化，让它有人的形态，会是什么样子？这就是“未来人”的雏形。这件作品一眼望过去，首先就是被主人公的蓝眼睛吸引，它很像我们碳基生命居住的地球。后来我又想到人机共存这件事。人的内脏、大脑、视觉感应器、听觉感应器，可能都有一部分交给了硅基生命。这不是我凭空想象出来的，比如现在有人装心脏起搏器，有人打干细胞，有人在研究怎么把记忆上传到云端。人类骨子里有一样东西从来没有变过，想更高、更快、更强、活得更久。所以我认为人机共存可能是一种宿命。我笔下《莎布·尼古拉斯》里那些“未来人”的眼神，很冷静。没有恐惧，也没有向往，就是很平静地接受了一个事实，这就是人的路。
Q 你向往这样人机共存的状态吗？
A 我有点害怕。我怕疼，只要是机器连着肉，多多少少会疼吧。但我也在想一个问题：如果有一天你已经跟AI、跟机械完全共生了，你还能回去吗？你把那些东西全部卸掉以后，你是谁？你还能不能活得很好？其实我们现在跟AI的关系已经很接近了，我们团队里的工程师已经习惯用AI处理工作，所以人和AI其实已经是共存状态了，只不过没有视觉化地让机器接入肉体，而我的“未来人”就是把这一步推到了极致。
Q 你如何看待AI和艺术家主体性的关系？AI会弱化艺术家的创作吗？
A 不会。我觉得AI对我的帮助非常大，但它解决不了一个核心问题“你想要什么。”我试过把我的所有作品、我的方法论全部输入给AI，说“你按照我的方法做一个艺术”。不行，出来的全是套路。AI不理解这是不是艺术，不理解艺术性到底在哪里。所以AI对我来说就是一个工具，我想好了观念、主题、媒介、材料、方式方法，然后让AI去执行，它会非常有效率。但你让它来告诉我我要做什么，它做不到。以后我们要做的是指导AI的人，要学会怎么下口令。“AI越发达，我们越需要艺术，艺术让人成为人”。
Q 如何看待你正在创作的艺术形式？
A 在中央美院读书的时候，有一次史老师把我留下来，跟我说的话我到现在都记得特别清楚。他说：“你的背景和别人不一样，别人在练飞刀的时候，你手上已经扛着冲锋枪了，所以不要再去练飞刀了。”那一刻我有种醍醐灌顶的感觉。艺术这片迷雾森林谁都能进去，很多人一辈子都在里面打转，走不出来。但艺术家是要自己走出来的，我要走的是别人从来没走过的路。我的背景是技术、是互联网、是产品，这些东西本身就是一种武器，自己要做的不是跟着别人走，而是用自己手上这把“枪”打出一片新的领域。随着作品的积累，每一个作品都让我更往前走了一点，就这么一点一点的，最后好像雾散开了，我看到外面的路了。原来这条路还没有人走，我可以往这个方向走，对我来说有点无心插柳的感觉。
Q 未来的创作方向是什么？
A 以后的创作会越来越难了。我们对自己的作品要求越来越高，已经不满足于一个50%的嗨点，下一次可能要60%才觉得过瘾，再下一次要70%。没有就不做。我们有时候开玩笑，说可能再过二十年就做不动了，所有类型全部占满了，话题也讲完了。但我现在明显能感觉到，每一个作品在同类型的坐标轴上还没有做到极致。如果已经做到了，下一件作品要超过这个极致才有出现的必要。突破点来自技术，数字艺术突然有了新技术，我的想象力就能被延展了。我的灵感完全来自我的工作，当新技术出现了，我觉得它可以是艺术，就会把它放到艺术中来。别的艺术家的灵感可能来自宗教、哲学，我的灵感来自代码和协议。
文王雅静 王祯
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